Compagnie STOMP: quand des musiciens s'emparent des objets du quotidien... 

Les objets du quotidien 

peuvent-ils devenir musique?

Séquence qui nous amènera également

à réfléchir à la question:

Qu'est-ce que la musique?

Ecoutes de référence

Kitchen

Extrait du court métrage 

Music for one apartment and six drummers (2001)

Variations pour une porte et un soupir

Oeuvre composée de 25 mouvements

(1963)

Pierre Henry

Compositeur français né en 1927

Pour mieux comprendre...

Exellente présentation de l'oeuvre dans cet article

http://fresques.ina.fr/artsonores/fiche-media/InaGrm00012/pierre-henry-variations-pour-une-porte-et-un-soupir.html

Extraits

Au départ ... une porte, celle du grenier d'une maison où le compositeur séjourna durant l'été 1962...  Pierre Henry ne se précipite pas pour l'enregistrer. Il s'exerce à en jouer, il fait comme au Conservatoire, ses "deux heures de porte" par jour... Puis il installe devant elle un micro Neumann U47, relié par un long câble au magnétophone que contrôle depuis le rez-de-chaussée Isabelle Chandon.

Alors il enregistre la porte systématiquement, "exhaustivement", déjà comme une musique, il la fait parler et crier de toutes les manières : tantôt avec de tout petits gestes du poignet, tantôt en la secouant comme un furieux, l'enfourchant, la faisant hurler....

Michel Chion, Pierre Henry

Quant au soupir du titre, il est double. Il est d'une part un "vrai soupir: une prise de son d'une inspiration et d'une expiration, et d'autre part un soupir "chanté" et qui est en fait un son provenant d'un flexaton.

Le son est clair et est surtout accompagné d'un glissando caractéristique dû aux flexions de la lame résonante.

Entre les mains de Pierre Henry, la porte devient un instrument, une voix ...

"Tout bruit écouté longtemps devient une voix"

Victor Hugo

A noter: Pierre Henry est un compositeur de musique concrète qui a su toucher par ses compositions le grand public. 

Tu restes perplexe ... ? 

Pour t'en persuader, je t'invite à écouter une autre oeuvre de musique concrète qui est devenue très populaire.

Il s'agit de "Psyché-rock",

oeuvre extraite de "Messe pour le temps présent"

Money

(1973)

Pink Floyd

Un peu d'histoire ...

Qui a intégré des objets du quotidien dans une oeuvre de musique savante pour la première fois ?

1917

Erik Satie compose

la musique du ballet "Parade"

L'art de sublimer le banal...

                                                    Portrait (détail) d'Erik Satie peint par Picasso 1920 

 Et le bruit rentre dans

l'art avec fracat 

et humour ...

Comment résister à cette autre oeuvre composée en 1950

par Leroy Andersen ...

d'autant plus que le soliste en rajoute un

peu pour le grand plaisir des auditeurs ... 

Je vous invite à découvrir un

Concerto pour machine à écrire et orchestre

Pratique créative associée

(travail en îlots)

Compose une pièce musicale en utilisant

exclusivement le contenu de ton cartable

Idée donnée lors des journées de formation nouveaux programmes.

Merci à Sandra Bonzi !!!

Quelques idées à prendre

chez quelques artistes,

voire même dans la pub !

Loufoque : )

 La compagnie Stomp

Les maîtres des objets détournés !

Pour ceux qui ont le Monde diplomatique 

dans leurs cartables : )

Pour les gourmands qui ont toujours quelques bombons dans leur cartable ... 

 Pour ceux qui ont le sac de la piscine dans leur cartable

Pour les sportifs

Et parce que vous avez tous deux mains

et deux pieds ... 

 Et dans la pub ???

Coup de maître pour cette société d'outillage qui arrive à créer une oeuvre musicale avec des sons habituellement considérés comme étant des nuisances sonores

Et pour finir une touche de féminité

Et notre projet musical

dans tout ça ? 

(différent en fonction des années)

Version originale 

           Théodore Chassériau, Roméo et Juliette, 1850 (Louvre)

De Pyrame et Thisbé à Roméo et Juliette

ou 

Un mythe peut-il traverser les âges ? 

Ecoute comparée n°1

correspondant à l'Acte 1, scène 1 de l'oeuvre de 

William Shakespeare

Scène 1, acte 1 : combats et intervention du Prince Escalus

Depuis des années, les Montaigu et les Capulet se vouent une haine inextinguible. Exaspéré, le Prince Escalus décrète, sous peine de mort, l’interdiction formelle de se battre dans sa ville.

 1- Roméo et Juliette

Symphonie dramatique (1839)

du compositeur français 

Hector Berlioz

2- Roméo et Juliette

Ballet

Musique du compositeur russe

Serge Prokofiev

On peut noter de nombreux points communs entre les parties musicales des œuvres de Prokofiev et de Berlioz : tous deux illustrent le combat de cape et d’épée entre les 2 familles rivales par une musique jouée aux cordes dans tempo très rapide et un climat très agité. 

Berlioz a fait le choix très ambitieux d'adapter l'oeuvre de Shakespeare pour une formation purement instrumentale (oeuvre composée pour un orchestre symphonique, sans représentation scénique). Il ne peut donc avoir recours à la représentation visuelle pour illustrer cette scène.

Le compositeur va mettre en musique le combat de cape et d'épée en composant une partie musicale (partie A) constituée d'un court motif présenté aux cordes en imitation. Ce motif est joué tour à tour aux altos, violoncelles, violons 1 et violons 2 ce qui engendre une écriture musicale très dense, illustrant bien l'agitation et la rixe entre les deux familles. 

Dans les œuvres de Berlioz et Prokofiev, l’arrivée du Prince est illustrée musicalement par un thème joué aux cuivres dans la nuance forte. 

Les compositeurs ont, tous deux, recours au figuralisme* pour adapter musicalement l'oeuvre de Shakespeare.

*Figuralisme :art d'évoquer musicalement une idée, une action, un sentiment. 

3- West side story

Film musical,

adaptation d'une comédie musicale

Musique : Leonard Bernstein

4- Roméo et Juliette

Ballet contemporain

Chorégraphie Thierry Malandain

(sur la musique d'Hector Berlioz)

En 2010, Thierry Malandain rend hommage à l'oeuvre de Berlioz en proposant une adaptation chorégraphiée de la symphonie dramatique (qui est, je le rappelle, une adaptation musicale de Roméo et Juliette).

Il est ici très intéressant d'analyser comment le chorégraphe réactualise le mythe et réussit à raviver l'intérêt du public pour ces œuvres. 

Synthèse de la première écoute comparée

Dans les œuvres étudiées, les artistes se réapproprient l’œuvre de Shakespeare: ils adaptent l’œuvre littéraire en fonction de leur domaine artistique, du genre musical à la mode au moment de la conception de l’œuvre (ballet & symphonie au XIX siècle, comédie musicale au XXème).

Parfois, les artistes transposent le cadre spatio-temporel dans leur époque afin de réactualiser l’histoire et raviver l’intérêt du public.

C’est ainsi que le mythe de Roméo et Juliette traverse les âges et reste intemporel.

Ecoute comparée n°2

La scène du balcon

Roméo et Juliette peint par Frank Bernard Dicksee en 1884

Tonight

Extrait de West side Story

(projet musical n°1)

Scène du balcon

Ballet de Prokofiev

Ballet 

Chorégraphie Malandain

Ecoute comparée N°3

La mort des amants

Scène 3, acte V

(sera traitée lors de l'évaluation de fin de séquence)

Roméo et Juliette devant le tombeau des Capulets (1855), Eugène Delacroix

Ballet

Prokofiev

Chorégraphie Malandain

sur la musique de Berlioz

West side story

La réconciliation des deux familles

Frédéric Leighton : Réconciliation des Montaigu et Capulet (1855) 

Projet Musical 2

Une chanson d'amour différente selon les années ... 

Pour t'entraîner

"Ce qu’on n’ose pas dire, on le chante. 

Ce qu’on n’ose pas écrire, on le met en musique."

Juliette Gréco, 

Chanteuse et actrice française née en 1927

 

 

 

 Explorer, imaginer, créer et produire

Échanger, partager, argumenter, débattre

(travail en Ilôts)

 

 

Travail d'écriture sur une mélodiepréexistante dont l'objectif est de faire en chanson un autoportrait générationnel à la manière d'Alexis HK dans son titre Fils de ...

 

Dans un premier temps, vous reprendrez l'idée du texte de Moustaki qui fait son autoportrait en décrivant ce que les gens lui renvoient (cf. le métèque) pour ensuite chanter ce que vous pensez que votre génération est. 

 

 

Alexis HK

 

Né Alexis Djoshkounian 

Auteur-compositeur-interprète de chanson française né en 1974

 

 

 

 

 

 

 

Quelles sont les principales caractéristiques du jazz ?

Né aux USA (Nouvelle-Orléans), de la conjonction des cultures africaines et européennes, le Jazz apparaît vers 1900 dans la communauté afro-américaine.

Les origines

Aux sources du Jazz on trouve : le work-song (genre abordé en 5eme et 4eme), le spiritiual (cf cours 5eme), le blues (4eme) et le ragtime.

De 1880 à 1910, les différentes traditions musicales vont se mêler pour donner naissance au Jazz.

Naissance officielle du jazz

Premier enregistrement de Jazz, en 1917

Original Dixieland Jass Band

Par le biais de l'analyse de plusieurs versions d'un même standard, nous pouvons dégager les caractéristiques principales de ce genre musical très important du XXeme siècle (formation big band, importance du rythme, accentuation du 2 eme et 4eme temps : the swing, la place de l'improvisation, dirty notes, scat ........).

ETUDE D'UN STANDARD

SATIN DOLL

UN COMPOSITEUR

DUKE ELLINGTON

Le standard "Satin doll" a été composé en 1953 par Duke Ellington.

Duke Ellington est un pianiste, chef-d'orchestre et compositeur né en 1889 et mort en 1974 aux USA.

Voici une version instrumentale

pour orchestre Big Band de SATIN DOLL

(1953)

Une fois le standard énoncé place à l'improvisation de la section rythmique (cf ton cahier).

UNE INTERPRETE

ELLA FITZGERALD

Voici une version de SATIN DOLL interprétée par la diva du jazz durant un concert à Juan Les Pins

(Côte d'Azur, 1966)

POUR LE PLAISIR

Je te propose de visionner ce grand moment de TV où Ella Fitzgerald nous propose une improvisation tout en SCAT accompagnée par un trio de jazz (batterie, contrebasse en pizz et piano).

Quelle virtuosité et quel humour !

Projets musicaux

Quand on aime on ne compte pas !

It don't mean a thing

Standard de jazz composé par Duke Ellington et Irving Mills (1931)

Version chantée

Club des Belugas

2010

Ecoute de référence

Duke Ellington orchestra

1943

Surprise !

SATIN DOLL

 (A) Cigarette holder- wich wigs me
over her shoulder - she digs me
out cattin' - that satin doll

(A)   Baby shall we go - out skippin'
careful amigo - you're flippin'
speaks latin - that satin doll

(B) She's nobody's fool so I'm playing it cool as can be

I'll give it a whirl but I ain't for no girl catching me

(A)      Telephone numbers - well you know
doing my rhumbas - with uno
and that'n my satin doll

+

Accompagnement rythmique à la batterie

Le Chabada

VHAT A WONDERFUL WORLD

LOUIS ARMSTRONG

 Fever

A toi !

POUR ALLER PLUS LOIN ...

Biographies

Duke Ellington

http://fr.wikipedia.org/wiki/Ella_Fitzgerald

http://musique.fluctuat.net/duke-ellington.html

http://fr.wikipedia.org/wiki/Duke_Ellington

Histoire du Jazz

http://www.jazz-bang.com/histoire-du-jazz.htm

http://www.lamediatheque.be/dec/clj/som.htm

http://fr.wikipedia.org/wiki/Histoire_du_jazz

Bien entendu, je t'invite à aller écouter un maximum de standard sur le net, voire avoir la curiosité d'aller à un concert de Jazz (les festivals sont nombreux dans la région à commencer par le Festival JAZZ sur son 31 en septembre sur Toulouse), et sur la route de tes vacances ...

1- Quels sont les différents lieux

de la musique au cinéma? 

2- Quel est le rôle de la musique au cinéma ?

***

UN PEU D'HISTOIRE ... 

Dès l'origine,

musique et cinéma sont indissociables

Pour mieux comprendre pourquoi,

je te propose de visionner "l'arroseur arrosé",

film réalisé en 1895 par  

 Les frères Lumière

1- Arroseur arrosé - film muet

2- Arroseur arrosé

tel qu'il était présenté aux spectateurs

Tu l'as compris, en 1895, les films sont muets.

Pour pallier à l'absence de dialogue, un pianiste situé dans la salle improvisait.

Cela permettait aussi de couvrir le bruit du projecteur ; )

1927, premier film parlant

Et dès que le cinéma devient parlant, c'est une telle révolution qu'il en devient même chantant !

"The Jazz singer"

premier film parlant

ETUDE DES DIFFERENTS LIEUX

DE LA MUSIQUE

Musique diégétique in,

hors champ et extra-diégétique ...

Il est difficile de s'approprier le vocabulaire

Aussi, je te propose dans un premier temps de comprendre ces notions sur un plan fixe : une vignette de BD !

MUSIQUE DIEGETIQUE IN

= source visible à l'écran

 MUSIQUE DIEGETIQUE HORS-CHAMP

= source non visible à l'écran 

mais qui appartient à l'histoire

 Maintenant à toi de jouer !!!

Je te propose d'analyser les différents lieux de la musique mais aussi les différents points de vue dans la scène d'ouverture de film JAWS réalisé par

Steven Spielberg en 1975. 

cf fiche dans ton cahier

 La musique composée par John William participe activement au récit. Le motif mélodique (musique extra-diégétique, BO du film) est associé à un personnage (ici le requin) et l'accompagne pendant tout le film.

A chaque fois que le compositeur veut nous suggérer la présence du requin il utilise ce thème musical.

Ce procédé appelé « leitmotiv » permet de suggérer le requin sans avoir à le montrer. A noter, ce motif mélodique est de facture très simple. Il est basé sur un crescendo de 2 notes (fa et fa dièse) répétées à l’infini.

Lorsque le thème est développé, John Williams insère des accents ce qui accroît la tension de ce motif (effets = mettre en relation avec l'utilisation des accents dans le thème des Augures printaniers de Stravinsky). 

La musique a ici un rôle primordial,

elle est considérée comme un personnage.

Ce film doit principalement sa réussite à sa musique. 

John William a d’ailleurs obtenu l’oscar de la meilleure musique de film pour cette œuvre. 

Cette partition est le début d’une fructueuse collaboration entre le compositeur et Steven Spielberg (Jurassic Park, Il faut sauver le soldat Ryan, Harry Potter …).

LE STORYBOARD A l'ORIGINE DE CETTE SCENE

Storyboards des dents de la mer par moidixmois

Quelques compositions de John Williams

.1975 : Les dents de la mer (Jaws) de Steven Spielberg

.1977 : Star Wars de George Lucas

.1981 : Lss aventuriers de l'arche perdue de Steven Spielberg

.1993 : Jurassic Park de Steven Spielberg

.1993 : La liste de Schindler de Steven Spielberg

.1997 : Amistad de Steven Spielberg

.2001 Harry Potter à l'école des sorciers

Il est impressionnant de constater que nous sommes tous capables de chanter les principaux thèmes de ces différents films !

CURIOSITE

Sans commentaire !!!

UNE AUTRE UTLISATION DE LA MUSIQUE AU CINEMA

L'ANACHRONISME

 MARIE-ANTOINETTE

(2006)

Réalisatrice : Sophia Coppola

L’originalité de cette bande sonore réside dans le fait de l’utilisation de musique pop dans un film « historique ». Ce mélange de musique du 18eme et de musique moderne crée un anachronisme (consiste à placer un concept ou un outil inexistant à l'époque illustrée dans le film) ; ce qui donne une atmosphère très particulière au film et met en lumière un aspect très contemporain de la personnalité de Marie-Antoinette.

Sophia Coppola est plus intéressée par l’évocation des sentiments d’une jeune fille Marie-Antoinette que par le fait de respecter la réalité historique.

PROJET MUSICAL

En fonction des années

Skyfall

Chant + accompagnement batterie

A mettre en lien avec le célébre thème de James Bond

When I'm gone

(cup song)

BLOODY SUNDAY / U2

(avec accompagnement à la batterie)

Composée en 1983 par le groupe U2, cette chanson deviendra le générique du film, du même titre, réalisé par Paul Greengrass en 2002.

POUR ALLER PLUS LOIN ...

http://www.lumiere.org/esthetique/jaws.html#vue1

http://chanson-du-film.lehall.com/home256.html

AUTRE SEQUENCE

A METTRE EN RELATION

Musique au cinéma /II- Analyse d'une scène culte

(scène de la douche de Psychose)

http://punsolamusique.centerblog.net/31-

                                     Billie Holiday

Comment une chanson est-elle devenue le 

symbole de la lutte contre le racisme ? 

Dans le cadre de cette séquence, nous allons aborder une oeuvre majeure de l'histoire de la musique américaine.De part son sujet, la dénonciation des lynchages pratiqués aux Etats-Unis à l'encontre des afro-américains durant la période ségrégationiste (1865-1960), de part sa puissance émotionnelle, nul ne peut nier l'impact de cette chanson intitulée Strange fruit. 

Dans cette séquence, nous allons parcourir le cheminement de cette oeuvre reconnue comme étant la première chanson engagée (protest song) de l'histoire américaine. Nous allons voir comment cette chanson a contribué à éveiller les consciences, comment elle a participé à la naissance du mouvement pour la lutte des droits civiques de la communauté noire aux USA.

 Histoire de la chanson

 Le texte de la chanson

A l'origine, Strange fruit n'est pas une chanson, il s'agit d'un poème "Bitter fruit" écrit en 1937 par Abel Meeropol (plus connu sous le pseudonyme de Lewis Allan)

Ce texte fut écrit après que cet enseignant, membre du parti communiste américain ait vu une photo du lynchage de Thomas Shipp et d'Abram Smith, double lynchage  qui eut lieu dans l'Indiana, état du Midlewest des Etats Unis (photo prise par Lauwrence Beitler).  « Bitter fruit » sera publié sous le pseudonyme de Lewis Allan dans le magazine « New York Teacher » et le journal communiste « New Masses ». 

Dans ce texte, l'auteur dénonce ces crimes racistes  qui restaient le plus souvent impunis. Bitter fruit est une oeuvre clairement engagée* contre la ségrégation** et les actes racistes que ce système engendre.  

 *Oeuvre engagée: oeuvre artistique dans laquelle l'auteur prend position.

** Ségrégation: système politique qui visait à séparer les personnes en fonction de la couleur de leur peau. 

  Voici, une émission de qualité qui relate 

l'histoire de cette chanson 

http://eduscol.education.fr/chansonsquifontlhistoire/Strange-Fruit#nav

   1937 - Le poème devient une chanson

En 1939, Abel Meeropol met son texte en musique et donne ainsi naissance à la chanson "Strange fruit". Celle-ci est dans un premier temps interprétée lors des meetings politiques communistes animés par Abel Meeropol. 

Barney Josephson, propriétaire du Cafe Society de New York entend la chanson et comprend immédiatement la portée politique de ce titre. Faire chanter "Strange fruit" dans son club de jazz devient pour cet homme une nécessité, nécessité d'autant plus grande que Barney Josephson est lui aussi politiquement très engagé contre la ségrégation, son club de jazz étant en effet un lieu "Integrate". 

Le Café Society est le premier club antiségrégationniste, 

lieu où se mêlent à égalité noirs et blancs.

La mixité sur scène comme dans la salle. 

Café Society

Une rencontre entre Abel Meeropol et Billie Holiday, célébre artiste de jazz alors sous contrat au Café Society est organisée. Billie Holiday, âgée alors de 24 ans, est dans un premier temps déroutée par la chanson. les paroles diffèrent de son repertoire qui est alors essentiellement constitué de chansons d'amour mais consciente de l'importance du sujet, elle s'empare de la chanson et l'intègre dans son tour de chant

 1939- Billie Holiday enregistre Strange Fruit

Au moment des faits, Billie Holiday est produite par le label Columbia. Au vu de la nature du texte, le label refuse de le produire. La maison de disque Columbia redoute en effet d'être boycottée dans les états du sud. Le producteur de Billie Holiday se tourne alors vers une toute petite maison de disque Commodore Records pour produire le titre.

 Billie Holiday et l'orchestre de Frankie Newton du Café Society enregistrent Strange Fruit le 20 avril 1939

Le succés commercial et l'impact politique furent immédiats, Strange fuit provoque articles et contreverses et devient la première Protest Song de l'histoire américaine. 

Billie Holiday prend concience de la portée contestaire de ce chant qu'elle imposera dans ses concerts. Cet engagement lui vaudra l'interdiction de se produire dans certains états de Sud et une arrestation pour avoir enfreint l'ordre de ne pas chanter Strange Fruit au Earle Theatre de Philadelphie.

 LA MISE EN MUSIQUE DU TEXTE

L'étude de la mise en musique du texte fait apparaître clairement que celle-ci est au service du texte 

On peut très facilement imaginer quelles sont les préoccupations d'Abel Meeropol lorsque celui-ci met son texte en musique. 

Au vu de l'importance du message délivré, on comprend aisément combien il est important pour l’auteur-compositeur que la musique soit au service de celui-ci.

La mélodie composée par Abel Meeropol 

extrêmement sobre est au service de son texte.

La structure de la chanson suit celle du texte, ici pas de refrain dont la mélodie aurait pu rester en mémoire et supplanter le sens des mots. Le chant syllabique* permet une très bonne compréhension du texte, compréhension renforcée par le fait que tempo du morceau est très lent. Abel Meeropol refuse les vocalises qui auraient dénaturé son texte et choisit des notes longues à la fin de chaque vers, afin que les respirations inhérentes à l'écriture du poème soient respectées.  Il faut ajouter à cela que la mélodie est écrite dans une tonalité mineure (do mineur) et dans un registre grave ce qui confère à ce chant une certaine profondeur, une certaine gravité. 

*chant syllabique: on chante une seule note par syllabe

DES INTERPRETATIONS AU SERVICE D'UNE CAUSE

Lorsque Billie Holiday se voit chargée d’interpréter ce titre, elle va dans un premier temps effectuer quelques légères modifications pour mieux se l’approprier. 

L'arrangement proposé dans la version de 1939 sera lui aussi extrêmement sobre Billie Holiday ne sera  accompagnée que d’une petite formation de jazz (cf page fiche HDA). 

Dans la version de 1939, le morceau débute dans une ambiance très feutrée, intimiste avec une longue introduction instrumentale dans laquelle se dégage  un  thème joué à la trompette (avec sourdine) qui sera suivi par un solo de piano très mélancolique. Les autres instruments restent en retrait. Le décor qui semble être celui d’une marche funèbre est  installé, tel un écrin, prêt à recevoir la voix de Billie Holiday.  « Elle chante ensuite de manière très sûre, convaincue et si convaincante. Elle se montre déterminée et très concentrée. Son élocution et son phrasé donnent aux mots une intensité extrême ».

 Strange fruit / Billie Holiday

(enregistrement de 1939)

cf Fiche HDA

 Vidéo et analyse proposée ici par Nicolas Martello

 Strange Fruit / Billie Holiday  

(1956)

La tension dramatique est encore plus perceptible dans cette vidéo de 1956 où on la voit le regard perdu, comme habitée par des fantômes.

Dans cette interprétation, encore plus dépouillée que dans la version de 1939 (elle n’est accompagnée ici que d’un piano) Billie Holiday déclame certains mots plus qu’elle ne les chante. Le morceau s’achève sur un cri de douleur sur les mots "bitter crop". Cet extrait filmique date de 1956, cela fait donc 17 ans que Billie chante Strange Fruit, 17 ans qu'elle mène inlassablement ce combat. 

 « Sa voix est ici l'expression la plus pure

d'une blessure grande ouverte ».

 Laurent Rigoulet, Telerama 2014

En visionnant cette vidéo, on comprend mieux la puissance émotionnelle du chant de Billie Holiday. L'effet des oppositions, des contrastes analysés dans le texte de Lewis Allan sont ici décuplés (cf fiche HDA). Billie Holiday les souligne ce qui donne à cette interprétation une intensité dramatique encore plus saisissante.

Pour mieux se rendre compte de l'émotion suscitée par les interprétations proposées par Billie Holiday, je te propose de lire ce témoignage:

"La salle est plongée dans le noir, le service aux tables et au bar a été interrompu. Billie Holiday est accompagnée d'un piano sur lequel elle s'appuie, un unique et petit spot éclaire son visage. Elle est immobile, le visage se cripse, dans un rictus de douleur sortent de sa bouche les premières syllabes de Strange Fruit. Elle chante ensuite de manière très sûre, convaincue et si convaincante. Elle se montre déterminée et très concentrée. Son élocution et son phrasé donnent aux mots une intensité et un impact si fort qu'à la fin de sa prestation un "silence de mort" se fait dans la salle ... Ce silence pesant semble durer une éternité avant qu'un spectateur ne se mette à applaudir nerveusement ... "

 Strange fruit aujourd'hui

Strange fruit est reconnue comme étant la première protest song de l’histoire de la musique américaine. Ce titre a contribué à éveiller les consciences et participe encore aujourd'hui à la lutte contre le racisme.

Il existe de très nombreuses versions de ce chant.

Des artistes de jazz l’ont bien entendu repris  (Nina Simone, Ella Fitzgerald, Cassandra Wilson…) mais il est intéressant de noter que des artistes venus d’horizons musicaux très différents  l’ont également chanté  ou s’en sont inspirés.

Strange fruit a aujourd’hui une valeur symbolique

très forte. Ce chant est devenu l’hymne des minorités

opprimées et de ceux qui luttent contre le racisme.

 India Arie (R&B)

interpète Strange Fruit

  Dans un autre style, une version reggae

interprétée par le groupe UB 40

Kanye West (RAP)

sample Strange fruit (version Nina Simone)

 Et au niveau de la musique savante ?

 Thierry Machuel

rend hommage à Billie Holiday en 2002 dans son oeuvre

"Dark like me"

en prenant comme point de départ Strange fruit. 

 “Strange Fruit, acte de naissance de la chanson  

contestataire aux USA, résonne pour l'éternité »

 Laurent Rigoulet, Télérama 2014

OEUVRES A METTRE EN LIEN

Selma retrace la lutte historique du Dr Martin Luther King pour garantir le droit de vote à tous les citoyens. Une dangereuse et terrifiante campagne qui s’est achevée par une longue marche, depuis la ville de Selma jusqu’à celle de Montgomery, en Alabama, et qui a conduit le président Jonhson à signer la loi sur le droit de vote en 1965.

A LIRE

(disponible au CDI)

 « Une idée m'avait hanté, pendant des années, et cette nuit-là, elle me revient avec plus d'insistance que jamais. Si au cœur des États du Sud, un Blanc se transformait en Noir, comment s'adapterait-il à sa nouvelle condition ?

"Qu'éprouve-t-on lorsqu'on est l'objet d'une discrimination fondée sur la couleur de peau, c'est-à-dire sur quelque chose qui échappe à votre contrôle ? »

                                  John Howard Griffin

 Plus d'infos sur ce récit autobiographique

http://littexpress.over-blog.net/article-john-howard-griffin-dans-la-peau-d-un-noir-78704720.html

NIKI DE SAINT PHALLE 

BLACK ROSY (1965)

Dès les années 60, Niki de Saint Phale se positionne contre la ségrégaton. Son oeuvre "Black Rosy" porte le prénom de Rosa Parks, figure emblématique de la lutte contre la ségrégation raciale, devenue célèbre en 1955 lorsqu'elle refusa de céder sa place à un blanc dans un autobus de Montgomory en Alabama. 

 «Je suis solidaire de tous ceux que la société et la loi excluent et écrasent».

"Le noir est moi, ils sont moi"

                                                                                            Niki de Saint Phalle

Rosa Park

A mettre en lien avec le très célèbre discours de

Martin Luther King: "I have a dream"

Discours prononcé le 28 août 1963

Martin Luther King I have a dream (sous-titres... par Texwolf

Strange fruit

réalisé en 2013 par Hili Noy et Shimi Asresay

Ce film d'animation est un prolongement de la chanson Srange fruit et de son combat contre le racisme. Ce film a obtenu de nombreux prix. 

  PROJETS MUSICAUX 

Je veux être noir (1966)

Nino Ferrer

 They don't care about us !

(1995, album History)

Michael Jackson

Sources

 Démarche pédagogique

Ouverture de la séquence (bas de la photo de Lauwrence Beitler) trouvée sur un site canadien il y a quelques années. Le site a aujourd'hui disparu.

Histoire de la chanson

Analyse

Vous trouverez une analyse très complète sur le site de Nikko Jazz

http://www.edmu.fr/2013/02/billie-holiday-strange-fruit.html

 Un très bel article

http://www.telerama.fr/musique/strange-fruit-et-billie-holiday-suspendit-l-histoire,110986.php

Projet musical

Je tiens à remercier tout particulièment Christophe Juniet qui a proposé, lors d'une réunion APEMu, le titre "Je veux être noir" de Nino Ferrer. Ayant conscience de l'émotion suscitée par le sujet traité, j'avais à coeur de trouver un projet musical qui "allège" le cours, ce chant correspond tout à fait à ce que je cherchais.

Le sacre du printyemps / Photo Christian Ganet

Quels sont les éléments de rupture et de continuité dans l'oeuvre: "Le sacre du printemps" ?

LE SACRE DU PRINTEMPS

(1913)

UNE OEUVRE PLURIDISCIPLINAIRE

UN COMPOSITEUR

IGOR STRAVINSKY

Compositeur russe, naturalisé français en 1934

puis américain en 1945

UN CHOREGRAPHE

VASLAV NIJINSKI

(1889-1950)

Nationalité: russe

UN PEINTRE

NICOLAS ROERICH

(1874-1947)

Nationalité: russe

A conçu les décors et costumes

du Sacre du printemps

 Element de décor du 2eme tableau

 UN PRODUCTEUR

SERGE DIAGHILEV

(1872-1929)

Nationalité: russe

Directeur des ballets Russes

CREATION DU SACRE DU PRINTEMPS

PARIS, mai 1913

LE SCANDALE

.

Ouverture du film "Coco and Stravinsky" réalisé en 2009 par Jan Kounen

La lecture de différents témoignages et critiques de l'époque nous permet de bien comprendre ce qui a heurté le public lors de la création de l'oeuvre

Dès le début de l'oeuvre

« Quelques faibles protestations se sont faites entendre dès que la musique a commencé », raconta plus tard Stravinsky. Rien de trop surprenant quand on connaît le début du « Sacre », le plus étrange des solos de basson jamais inventé pour l’ouverture d’une œuvre orchestrale.

Igor  Stravinsky

Témoignage du peintre Valentine Cross-Hugo

 "Ce fut comme si la salle avait été soulevée par un tremblement de terre. Elle semblait vaciller dans le tumulte. Des hurlements, des injures, des hululements, des sifflets soutenus qui dominaient la musique, et puis des gifles, voire des coups...

La chorégraphique

« Tout est laid, lourdement, platement et uniformément laid. Danseurs et danseurs ne s’élèvent jamais de terre, restent ramassés sur eux-mêmes, bras et jambes contractés, s’agitant avec une pesante et gauche frénésie. On se doit de faire face à l’inadmissible refus de la grâce traditionnelle ; le choix est entre civilisation et barbarie. »

Adolphe Boschot (L’Echo de Paris), évoque les danseurs :

" [ils] répètent cent fois de suite le même geste : ils piétinent sur place, ils piétinent, ils piétinent et ils piétinent… Couic : ils se cassent en deux et se saluent. Et ils piétinent, ils piétinent, ils piétinent… Couic…. »

Le « Sacre du printemps » est retiré de l’affiche après seulement huit représentations.

"...mais il y a un « avant » et un « après » 29 mai 1913 : à partir de cette date, plus jamais aucun compositeur ne pourra écrire de la musique de la même manière.

Le rythme est entré dans la danse…"

Nathalie Krafft, journaliste

ETUDE DE L'INTRODUCTION DE L'OEUVRE

"L'introduction du Sacre constitue l'un des sommets de l'art musical moderne"

Serge Boucourechliev, compositeur et musicologue français

Le thème joué en introduction de l’œuvre évoque l’éveil de la nature au printemps, du passage progressif des ténèbres à la clarté.

"Chaque instrument est comme un bourgeon qui pousse sur l’écorce d’un arbre séculaire ; il fait partie d'un formidable ensemble. Et tout l’orchestre, tout cet ensemble, doit avoir la signification du printemps qui naît." 

Igor Stravinsky

Dès le début de son œuvre, Stravinsky instaure un climat étrange et envoûtant.

Il fait le choix de commencer son œuvre par un instrument soliste peu usité en tant que tel auparavant: le basson.

De plus, Stravinsky choisit de faire jouer cet instrument dans l’extrême aigu ce qui amplifie l’étrangeté de la sonorité de départ.

Le thème proposé par Stravinsy pour ouvrir le 1er tableau intitulé "L'adoration de la terre est une mélodie sinueuse, les nombreux changements de mesure et les points d'orgue (prolongement libre d'une note) font qu'il est difficile de percevoir la pulsation.

Tous ces éléments font que le début du Sacre nécessite une grande capacité d'écoute de la part de l'auditeur.

ETUDE DU PASSAGE

"LES AUGURES PRINTANIERS"

Le premier tableau intitulé "Les augures printaniers" évoque le moment où "le peuple piétine la terre avec extase":

Il se dégage de ce passage une certaine force et un grand dynamisme.

"Dès la première danse, du reste, vous avez cet accord fixe qui est simplement répété, répété, répété avec des accents. C'est une espèce de barbarie très bien étudiée, qui a l'air de la barbarie, mais qui -en fait -est un produit extrêmement élaboré... "

 Pierre Boulez

(compositeur et chef d'orchestre)

                                                  Extrait de la partition des Augures printaniers

Ce résultat sonore est obtenu par la répétition d'un accord dissonant (toujours le même) mais aussi et surtout grâce à une nouvelle façon d'utiliser les accents à l'intérieur de la mesure:Stravinsky place les accents là où l'auditeur de s'y attend pas. Les notes accentuées sont disposées, à l'intérieur de ce "bloc", de façon irrégulière.

Alors que ce "bloc musical" revient plusieurs fois dans le tableau, il réapparaît toujours avec des légères modifications:

- Il sera plus ou moins long.

- Les accents sont disposés différemment à chaque présentation pour que l'attention de l'auditeur soit toujours ravivée et que l'effet voulu par Stravinsky soit permanent.

Il est à noter que l'accord dissonant sera entendu 240 fois dans cette partie intitulée "Les augures printaniers".

Les accentuations rythmiques irrégulières contribuent à donner à ce passage un grand dynamisme et constituent une innovation rythmique qui influencera de nombreux compositeurs.

LA FORMATION INSTRUMENTALE 

UN ORCHESTRE DE 120 MUSICIENS !

ECOUTE DE L'ENCHAINEMENT

DES PARTIES ETUDIEES EN CLASSE

Je te propose par le biais de cette vidéo d'écouter le début du premier tableau "L'adoration de la terre", dans lequel tu pourras entendre les 2 principaux passages que nous avons étudiés en classe (l'introduction et les augures printaniers).

Minutage de l'extrait

Introduction : dès le début (normal !!!)

Les augures printaniers: 3'31

L'idéal

 Ecouter l'extrait tout en relisant

le cours page 6 du cahier + fiche HDA correspondante.

Tu pourras constater en visionnant cette vidéo de la richesse des timbres (couleurs instrumentales) utilisés par Stravinsky dans cette œuvre qui fait la part belle à la famille des vents (surtout des bois au début de son œuvre).

LA CHOREGRAPHIE DE NIJINSKI

Je te propose de visionner un extrait filmé en 1993 au Théâtre des Champs Elysées (lieu même de la première représentation). Il s'agit de la reconstitution de la chorégraphie de Vaslav Nijinski proposée par Millicent Hodson (chorégraphe américaine).

Marie-Claude Pietragalla (danseuse et chorégraphe française) interprète ici "La danse de la terre" (dernière partie du 1er tableau).

Cette reconstitution nous permet de bien comprendre ce qui a choqué le public en 1913.

« Mais quand le rideau s’est ouvert sur des Lolitas aux longues nattes sautant dans tous les sens, l’émeute a éclaté », poursuit Stravinsky. Une partie du public braille son indignation tandis que l’autre prend parti pour la musique et la chorégraphie qu’elle a inspirée à Nijinski."

Igor Stravinsky

Nijinski propose dans ce ballet une chorégraphie en totale opposition avec la tradition de la danse classique: les pieds sont en-dedans, les postures des danseurs sont courbées, le port de tête oublié, la tête est souvent baissée, le corps du danseur semble désarticulé, les mouvements convulsifs ...

Adieu pointes et arabesques ... cette chorégraphie annonce la danse moderne qui remettra en question les fondements de la danse classique.

Arabesque

(figure de la danse classique)

 Chorégraphie de Nijinski :

Rompt avec la tradition classique (pieds-dedans, pas de pointes, postures courbées ...)

Cette chorégraphie va beaucoup influencer la danse contemporaine.

Le travail de Nijinski est d'une très grande précision, nous pouvons aujourd'hui reproduire cette chorégraphie grâce au travail de Valentine Hugo (peintre) qui a noté tous les mouvements que doivent exécuter les danseurs:

Les costumes

 Les costumes imaginés par Nicolas Roerich sont très éloignés de ceux proposés dans les ballets classiques: ici, les costumes sont amples et ne souligent pas du tout le corps des danseurs.

"LE SACRE DU PRINTEMPS" PAR LES CHOREGRAPHES CONTEMPORAINS

MAURICE BEJART

Danseur et chorégraphe français

(1927-2007)

propose en 1959 une nouvelle chorégraphie du Sacre du printemps

PINA BAUSCH

Danseuse et chorégraphe allemande

(1940-2009)

propose en 1975 une nouvelle chorégraphie

POUR ALLER PLUS LOIN ...

L'intégralité de l'oeuvre

Pierre Boulez

(chef d'orchestre et compositeur français)

dirige

Le Sacre du Printemps en 2002

Interdisciplinarité encore plus grande dans cette version où l'on a ajouté ici l'art équestre et le génie de BARTABAS

«Pour moi, le Sacre du Printemps de Stravinsky représente le chef-d'oeuvre du XXe siècle. Une fête païenne, presque bestiale, zébrée de pulsions chamaniques. »

Bartabas

CURIOSITE

LE SACRE DU PRINTEMPS

Verion film d'animation, extrait de FANTASIA

Production Walt Disney

(1940)

 POUR ALIMENTER TON EXPOSE DE RECHERCHES PERSONNELLES:

Biographie de Stravinsky

http://sites.radiofrance.fr/francemusique/pedagogie/biographies/igor-stravinsky.php

http://www.musiqueray.org/igor-stravinski-biographie.html

Le sacre du printemps :

http://www.theatrechampselysees.fr/uploads/document_fiche_centenaire/sacre_du_printemps_planche.pdf

http://lewebpedagogique.com/ellada30/?p=4982

http://www.scena.org/lsm/sm5-6/RiteOfSpring-fr.htm

Super dossier:

http://www.maisondelaculture-amiens.com/www/spectacles/le_sacre_du_printemps_precede_de_prelude_a_l_apres-midi_d_un_faune/fiche/storage/spectacles/liens/2010_04_16_18_21_40_dossierparcourschorgraphique.pdf

A propos de la chorégraphie de Maurice Béjart et des premières représentations du Sacre du printemps:

http://www.ina.fr/art-et-culture/arts-du-spectacle/video/I04153726/bejart-et-le-sacre-du-printemps.fr.html#

et pour finir

le lieu de la création:

Le théâtre des champs Elysées

 PROJET  MUSICAL

 CLOCKS

Cold Play

Dans ce titre, le groupe Coldplay place les accents à des endroits peu habituels dans la mesure (surtout dans ce type de répertoire).

Les accents sont placés sur les

12 34 5 67 8/12 34 5 67 8 / ....

ce qui donne une dynamique particulière à la chanson.

 Nous apprendrons à jouer la partie de batterie qui souligne bien entendu ces accents.

Projet musical

          Soldat blessé (1916) - Gravure (détail) / Otto Dix (peintre expressionniste allemand)

La boue, l’attente, la peur le froid,

l’absurdité d’une guerre terriblement meurtrière...

Extrait d'un  "Long dimanche de fiançailles" film réalisé en 2004 par 

Jean-Pierre jeunet d'après le roman de Sébastien Japrisot (1991)

En marge des combats, des musiques et des chants vont naître, rythmant le temps, permettant aux soldats de mieux supporter la dureté du quotidien mais aussi de s’ingurger contre les ordres du commandement militaire.

De nombreux soldats vont écrire des lettres (cf ton cours de français sur l'étude de "Paroles de Poilus") mais aussi des textes sur des airs à la mode.

Ces chansons vont ensuite se transmettre oralement de tranchée en tranchée.

Certaines chansons clairement antimilitaristes,

seront censurées.

Je te propose d’analyser la plus célébre de ces chansons écrite pendant la « der des der »:

La chanson de Craonne

Le contexte historique

1917

L'offensive de Nivelle

L'échec du Chemin des Dames

Chemin des dames 1 par Horadrim

Partie 1 : http://www.dailymotion.com/video/x32ccp_chemin-des-dames-1
Partie 2 : http://www.dailymotion.com/horadrim/video/x32cp6_chemin-des-dames-2
Partie 3 : http://www.dailymotion.com/horadrim/video/x32iht_chemin-des-dames-3

  http://fr.wikipedia.org/wiki/Mutineries_de_1917

http://fr.wikipedia.org/wiki/Chemin_des_Dames

et bien entendu

ton cours d'histoire !!!

Le rapport

texte / musique

Le texte

A la lecture du texte de la chanson, nous pouvons noter une progression au niveau des sentiments évoqués.

Dans la première partie de la chanson, c'est la lassitude et le désespoir face aux conditions de vie dans les tranchées qui sont exprimés (en complément cf ton cours d'histoire).

A partir de C3 et dans R2, le ton change.

Le texte évoque alors l'amertume et la colère des soldats face à "ceux de l'arrière" qui ont décidé de cette guerre et qui ne sont pas au front.

Le texte est explicite, il incite les soldats à ne plus combattre, à se mutiner.

C'est cet aspect du texte clairement antimilitariste qui vaudra de très lourdes sanctions aux soldats qui interpréteront cette chanson: nombreux seront condamnés à la cour martiale.

Avertissement

 De nombeux sites indiquent qu'une très récompense  aurait été promise à qui en dénoncerait le ou les auteurs:

1 million de francs-or et la démobilisation immédiate

Ceci, d'après les historiens est une légende !!!

Une musique décalée par rapport au texte

Lorsque l'on fait l'analyse de la chanson de Craonne (cf fiche HDA), on se rend très vite compte qu'il y a un décalage, une contradiction entre la mélodie et le texte.

La mélodie est composée sur une mesure à 3 temps ce qui lui donne un caractère dansant et entraînant alors que le sens du texte est lui très sombre, voire tragique.

Cet élément s'explique par le fait que les paroles de la chanson de Craonne ont été écrites sur un air préexistant, celui d'une valse populaire composée par Charles Sablon  dont le titre est "Bonsoir m'amour".

Ce procédé appelé "timbre" qui consiste à écrire des paroles sur un air connu était souvent utilisé par les chansonniers de l'époque. 

C'est l'utilisation de cette technique d'écriture

(sur "timbre")

qui a permis la rapide "propogation" de la chanson

dans les tranchées.

Voici un extrait des paroles d'origine, les paroles de

"Bonsoir m'amour"

"Bonsoir m'amour, bonsoir ma fleur,
Bonsoir toute mon âme !
O toi qui tient tout mon bonheur
Dans ton regard de femme !
De ta beauté, de ton amour,
Si ma route est fleurie,
Je veux te jurer, ma jolie,
De t'aimer toujours !"

Pour écouter le titre original

http://www.deezer.com/track/6205805

Tu peux maintenant mieux comprendre les raisons du

décalage entre

la musique et le texte de la chanson de Craonne

POUR REVISER TON COURS

La chanson de Craonne

au cinéma

"Un long dimanche de fiançailles"

(2004)

film de Jean-Pierre Jeunet

 Feuilleton pour la télévision française

Oeuvres artistiques à mettre en relation

Louis Aragon

Ecrivain et poète français

Louis Aragon n'a que 16 ans quand éclate la guerre. Il est mobilisé en 1917 et est incorporé en tant que médecin-auxiliaire au 355^erégiment d'infanterie en 1918. Il se trouve alors près de Soissons et va suivre la contre-offensive alliée sur le Chemin des Dames en septembre 1918.

C'est là qu'il commence son premier roman Anicet. Il évoquera cette expérience du front à travers la fiction comme dans le roman Aurélien (extrait art wikipédia)

Louis Aragon nous livre son témoignage dans une fiction

Extrait du roman "Aurélien":

"Je me souviendrai toujours... C'était au Chemin des Dames... Le docteur, je ne le connaissais pas, il venait d'arriver au bataillon... J'étais sergent alors... J'avais une section... C'était un peu à l'ouest de Sancy... on tenait la ligne du chemin de fer... on avait avancé après un pilonnage, mazette, un pilonnage ! Devant nous, tout était bouleversé. Plus de tranchées, des trous d'obus, des entonnoirs... On avait avancé comme on avait pu... sur la pente, et un peu où ça faisait pla­teau... et reculé par-ci par-là..., on ne savait plus où on en était... Je vous ennuie? — Mais non, — dit Bérénice, — au contraire... — Il y avait du Boche en avant, de côté, en arrière... L'artillerie tapait dans le tas... On voyait dans ce qui avait été du barbelé un particulier qui n'avait pas pu se tirer des pieds... Personne ne songeait à aller le repêcher, je vous jure... Enfin, une chienne n'y aurait plus reconnu ses petits... Là où était ma section, ça avait encore forme humaine... parce qu'on tenait un boyau où on s'était battu... et qu'on avait cloisonné avec des sacs de sable... Seulement il y avait deux Fridolins blessés qui s'avançaient quand on avait entassé les sacs... Alors ils étaient tombés le bec en avant, les pieds chez eux, la tête chez nous. Et feuilletés dans les sacs... des vrais sandwiches... Pas mèche de les dégager, vous saisissez : on avait aussi peur d'un côté que de l'autre... et puis recommencer le bousin pour deux bonhommes... Seulement le soir tombait, et ils ne se décidaient pas à clamser... Ils gueulaient encore... Ça devait leur faire mal quelque part... Une guibolle... Enfin, quoi! Ils gueulaient... Dans le secteur on ne bougeait plus... chacun le doigt sur la gâchette, terrés... Alors, quand ils se remettaient à gueuler, les mitrailleurs à tout hasard envoyaient une volée... Tac tac tac tac tac... et ça ricochait... tac tac... On ne savait plus où se mettre... D'autres répondaient... Ni les Boches ni nous ne savions sur qui on tirait... Avec la nuit ça devenait inte­nable..."

 Otto Dix 

Peintre expressionniste allemand

(1891-1969)

Différentes gravures

Soldat blessé (1916) 

Technique: gravure

Mouvement: expressionnisme

Pour en savoir plus sur ces oeuvres d'Otto Dix:

http://cites-unies-histoire-des-arts.over-blog.com/pages/La_peinture_dOtto_Dix-5053000.html

Stanley Kubrick

Réalisateur américain

(1928-1999) 

Les sentiers de la gloire

(1957)

Pour en savoir plus sur ce film

http://www2.cndp.fr/TICE/teledoc/dossiers/dossier_sentiers.htm

Paroles de Poilus

Lettres et carnets du front, 1914-1918,

de Jean-Pierre Guéno

Le regard des artistes contemporains

sur cette guerre

C'était la guerre des tranchées

de

Jacques Tardi

(Auteur et dessinateur français, né en 1946)

Arman

(1928- 2005,artiste français d'origine américaine)

Home, sweet home (II)

Technique: accumulation

Mouvement: nouveau-réalisme

Pour en savoir plus sur l'oeuvre d'Arman

Arman, Home sweet Home par centrepompidou

PROJETS MUSICAUX

La chanson de Craonne

&

  NO BRAVERY

James Blunt

+

Accompagnement batterie

James Blunt compose No bravery en 1999 alors qu’il  est soldat de l’OTAN dans les Balkans (guerre civile du Kosovo).

  « J'ai servi au Kosovo lors de la campagne de bombardements, et des accords de paix. Nous devions tout faire pour éviter que les gens s'entre-tuent. Vous entriez dans des maisons incendiées, dans des champs de cadavres et vous aviez vraiment le sentiment que quelqu'un ou quelque chose d'incroyablement démoniaque était passé par là ».

James Blunt quitte l’armée britannique en 2002 pour se consacrer à sa passion : la musique. Il obtiendra un prix aux NRJ Music Awards dans la catégorie « révélation internationale de l'année » avec l’album « Back to Beldam » où figure No bravery.

POUR T'ENTRAINER

à chanter mais aussi pour travailler

le rythme joué à la batterie en bodypercussion

Accord majeur, Arman (nouveau réaliste), 1962.

 Comment au début du XXeme siècle les compositeurs

vont-ils renouveler l'aspect sonore de leurs oeuvres ? 

***

Quels sont les éléments de rupture et de continuité

dans l'oeuvre "Ionisation" d'Edgard Varèse ?

 ***

«Un artiste n’est jamais en avance sur son époque, mais la grande majorité est loin derrière vivant encore dans le siècle passé ».

Edgard Varèse

 ***

"Le début du XXeme siècle est marqué dans tous les arts par une volonté de renouveau. La première guerre mondiale remet en cause les fondements mêmes de la société héritée du XIXeme siècle et ouvre les portes du monde moderne"

 Decouvrir la musique

Hachette Education

Dès les années 20, des artistes vont souhaiter un art en prise directe avec le monde qui les entoure. 

Des compositeurs vont imaginer une musique nouvelle, en rupture avec le passé et vont, pour y parvenir, se libérer des règles établies par le passé. Ils vont faire « table rase » du passé et bouleverser la conception de la musique.

Cette volonté de renouveau s’est faite progressivement, au fil des œuvres et seront favorisées, après 1945, par l’évolution des technologies d’enregistrement et de diffusion du son.

C’est ce cheminement que je te propose d’étudier, à travers l’étudede « Ionisation », œuvre charnière d’Edgard Varèse, artiste visionnaire qui ouvrira aux compositeurs contemporains les portes d’un monde sonore nouveau.

EDGARD VARESE

UN ARTISTE PRECURSEUR

1883-1965

compositeur français naturalisé américain

Travail demandé sur la fiche HDA: 

Relève dans la biographie d’Edgard Varèse les éléments qui permettent une meilleure compréhension de son œuvre

http://www.francemusique.fr/personne/edgard-varese

ETUDE DE "IONISATION"

oeuvre composée entre 1929-31

Donnée pour le première fois au Canagie Hall en 1933

Dès les premières mesures de cette œuvre, on mesure l’aspect novateur de la musique de Varèse.

Dans cette composition, Varèse refuse à l’auditeur tous les éléments musicaux auxquels « son oreille » s’attachent habituellement : pas de mélodie, une quasi absence de perception de la pulsation à certains moments, une orchestration très particulière incluant des sonorités qui mettent mal à l’aise, beaucoup d’instabilité…

Varèse propose donc en 1933, une musique radicalement différente de celle que le public avait l’habitude d’écouter (c’est toujours le cas aujourd’hui). 

Ecoute de l'oeuvre

(analyse en classe basée principalement sur 1'31 de musique)

 Ionisation est une oeuvre singulière

par bien des aspects. 

Etudions ensemble quelles sont les clés

pour comprendre cette musique.

Analysons comme Varèse a réussi à créer

une musique nouvelle, 

en prise directe avec son temps. 

LE TITRE

Edgard Varèse s’inspire ici d’un fait scientifique. L’œuvre suit le déroulement de l’expérience de l’ionisation : dissociation des électrons du noyau de l'atome et leur transformation en ions.

ionisation d'un atome

Varèse s’éloigne ici des sujets d’inspirations habituellement traités au XIXème siècle (sentiments, nature …).

Varèse souhaite un art en prise directe avec son temps et fait ici un choix qui peut paraître bien singulier. Sa formation d’ingénieur y est sans doute pour quelque chose. 

Les différentes phases de l'Ionisation sont bien perceptibles grâce à l'alternance de parties non pulsées (parties où la pulsation n'est pas perceptible) et de parties pulsées (solo de Bongos et caisse claire). 

UNE FORMATION INUSITEE

Ionisation est la première œuvre occidentale à utiliser un effectif de 37 percussions (joués par 13 instrumentistes).

En composant pour cet orchestre, Varèse s’éloigne des formations orchestrales habituellement utilisées à l’époque (ex : orchestre symphonique).

Avec cette formation atypique, il va rechercher à explorer de nouvelles sonorités, de nouvelles associations de timbres.

Toutes sortes de percussions sont utilisées : instruments à peau (grosse caisse, bongos), à frictions (guïro), sonorités métalliques (triangle, cymbales, cloches tubulaires ….) et même un piano qui n’apparaît qu’à la toute fin de l’œuvre avec la particularité d’être joué avec les avants bras du pianiste (tel un instrument à percussion).

Dans cette œuvre, Varèse refuse l’utilisation des cordes,le violon étant, pour lui, un instrument du passé, instrument qui n’exprime pas son époque. 

En écartant tout instrument mélodique ou harmonique (qui peut exprimer plusieurs sons simultanément), il montre qu’un morceau de musique peut exister par sa seule vie rythmique.

Exemples d'instruments à percussions

utilisés dans ionisations

Appartiennent à une même famille ce qui n'exclue pas

une grande variété de timbres

Grosse caisse de concert

Guïro

Bongos

Caisse claire

 POUR VARESE "LA MUSIQUE EST FAITE

AVEC DES SONS ET NON DES NOTES"

Pour Edgard Varèse, un bruit peut intégrer une œuvre musicale au même titre qu’une note.

Ionisation fut conçue comme une recherche de nouveaux sons et de nouvelles méthodes pour les créer.

C’est ainsi que Varèse intègrera dans son œuvre deux sirènes, objets sonores jamais jusqu’ici intégrés dans une formation instrumentale.

Cette intégration du bruit dans la musique va bouleverser

la musique au XXème siècle.

VARESE REVENDIQUE LE DECALAGE

AVEC LE PUBLIC

Edgard Varèse est conscient des réticences du public.

A ses détracteurs il répond :« Un artiste n’est jamais en avance sur son époque, mais la grande majorité est loin derrière vivant encore dans le siècle passé ».  

Selon Varèse, ce décalage avec le public s’explique par le fait que « c’est plus facile de jouir de ce qui est familier que d’essayer de comprendre quelque chose de nouveau ».

OEUVRES A METTRE EN LIEN

Lorsque l’on observe, certaines œuvres d’Alexander Calder, on peut identifier des nombreuses similitudes  avec la démarche créatrice  d’Edgard Varèse.

On retrouve la même volonté de rompre avec le passé.

Les deux hommes se connaissaient, s’appréciaient. De leurs échanges sont nées deux œuvres : Portrait en fil de fer de Varèse et  Small Sphere and Heavy Sphere.

Edgard Varèse / Portrait en fil de fer

Oeuvre d'Alexander Calder 1930

Small sphere and heavy sphere 1932 / Alexander Calder

Cette oeuvre étant une sculpture sonore,

l'idéal serait de la voir en action.

Voici la seule vidéo trouvée sur le net.

Horreur,le réalisateur a mis une musique d'ambiance ce qui gâche completement la perception que nous devrions avoir de l'oeuvre. 

Reste plus qu'à aller moi-même filmer l'oeuvre en action : ))

POUR EN SAVOIR PLUS

Biographie Edgard Varèse

http://brahms.ircam.fr/composers/composer/3262/

Ionisation

http://www.scena.org/lsm/sm5-10/percu-fr.html

Les nouveaux réalistes

http://www.centrepompidou.fr/education/ressources/ENS-nouvrea/ENS-nouvrea.htm

APRES 1945

Grâce à l’évolution des technologies les compositeurs vont pouvoir explorer un monde sonore nouveau.

C’est le départ d’une nouvelle conception de la musique que l’on nommera musique contemporaine.

La musique contemporaine prendra plusieurs trajectoires, l’une d’elle se nomme : musique concrète.

La musique concrète

La musique concrète est née en 1948 avec la création d’un studio dirigé par Pierre Schaeffer.

Il est à noter que ce genre musical n’aurait pu exister sans l’invention de l’enregistrement sonore (microphone, bande magnétique).

Il prend comme point de départ n’importe quel matériau sonore (bruit ou son instrumental) produit devant un microphone et travaillé ensuite en studio.

Un compositeur de musique concrète

Pierre Henry

(compositeur français, né en 1927)

VARIATION POUR UNE PORTE ET UN SOUPIR

(1963)

Ballet du Rhin - Variations pour une porte et un... par Le_Trait_dUnion

PSYCHEROCK

(1967)

Psycherock est extrait de la "Messe pour le temps présent" (1967), ballet dont la chorégraphie est signée Maurice Béjart

PIERRE HENRY - Psyché Rock par benporkofer

Surprise !

La musique te dit quelque chose ???

Psycherock est le générique deFuturama !

Qui a dit que la musique contemporaine

ne pouvait pas être populaire ?

PROJET MUSICAL

Queen /We will rock you

(1977)

Avec pour accompagnement une body percussion jouée par les élèves

(dans le style rock)

Body percussion

Je te propose de retrouver la progression de l'apprentissage de la body percussion qui accompagne le chant en suivant les leçons de ce musicien :

Leçon 1

(correspond au niveau de difficulté 1 et 2 de ta partition)

Leçon 2

(correspond au niveau 3 de ta partition)

CURIOSITES

A vos casseroles !

Music for one apartment and six drummers par naly

A VOUS DE JOUER !